Bericht: Workshop „Materialität des Untergangs“, 29.06.2016, HHU Düsseldorf

Der von dem derzeitigen Gastwissenschaftler Thomas Ballhausen organisierte Workshop zum Thema „Materialität des Untergangs“ ermöglichte den Mitgliedern des GRK 1678 eine Auseinandersetzung mit Fragen des Verfalls, des Obsoleten und des Ruinösen oder auch des Ruinierten. Die Diskussionsgrundlage lieferten dabei filmische Beispiele und Textauszüge aus den Romanen „Im Land der letzten Dinge“ von Paul Auster und „Wittgensteins Mätresse“ von David Markson.

Screenshot aus dem Film »The Heart of the World« von Guy Maddin von 2000

Screenshot aus dem Film »The Heart of the World« von Guy Maddin von 2000

Der Workshop begann mit einer Erörterung des Begriffs ‚Verfall‘, dem zunächst eine gewisse Unvermeidlichkeit zugesprochen wurde. Hinterfragt wurde hierbei, inwiefern Verfall als ein Prozess der Veränderung bzw. eines Formverlustes verstanden werden kann oder aber als Programm mit einer Einschreibung verbunden ist.
Den Auftakt der filmischen Beispiele bildete „Fatimas Dance du ventre“, der erstmalig 1893 auf der Chicagoer Weltausstellung gezeigt wurde. Als eines der frühesten Beispiele des optischen Mediums Film thematisierte dieses Beispiel zum einen die Bedeutung des Exotischen und Fernen, zeigte aber zum anderen durch die Wahl des Bewegungsmotivs Anklänge an die um 1900 herrschende Bewegung der Okkultisten und Spiritisten, was die Diskussion zu der von 1895 – 1905 herrschenden Gattung des ‚Cinema of Attraction‘ lenkte. Diese Bedeutung des Sinnlichen im Film wurde bei der Betrachtung der „Zensurfassung“ des Films, in der ein Raster über Brüste und Genitalbereich der bekleideten Tanzenden gelegt wurden, wieder aufgegriffen, wobei festgestellt wurde, dass gerade durch die Zensur die Narration des Sinnlichen eine stärkerer Betonung erfährt und die binären Kategorien von Gefühl und Verstand einander gegenüberstellt werden. In Hinblick auf die Frage nach der Distribution wurde anschließend der Entwicklung des Films nachgegangen, die ihren Ursprung in ihrer Bedeutung als Unterhaltungsmedium hat, dennoch als Kunst verstanden werden will, aber auch einen dokumentarischen Charakter einnehmen kann, was in dem nächsten Beispiel, einem französischen Dokumentarfilm von 1898, weiter vertieft wurde. Dieser Dokumentarfilm zu einer Präsentation der Funktionen eines OP-Tisches mit einem weiblichen Versuchsmodell, ursprünglich für ein Fachpublikum vorgesehen, wurde später als erotischer Film auf sogenannten ‚Herrenabenden‘ gezeigt, was die Frage nach dem Publikum aufwarf. Der ‚Herrenabend‘, verstanden als einfache Form der Zensur, führte so zu der Frage, welche soziale Bedeutung der Zensur überhaupt zukommt. Die Filme „Die Macht der Hypnose“ von 1908, der eine Bordellszene mit hypnotisiertem Freier zum Thema hat, und der Film „Der Traum des Bildhauers“ über eine lebendig werdende weibliche Figurengruppe setzten hier an, da die einerseits unterhaltsamen aber auch erotischen Momente aufgrund des günstigen Eintrittspreises einem breiten Publikum Unterhaltung boten.
Im nächsten Abschnitt wurde die dem Film genuine und in seiner Entwicklung veränderte Materialität fokussiert. Während endogene Zerfallsprozesse und Hochentzündlichkeit ein Sicherheitsrisiko bei anfänglichen Filmrollen darstellten und so auch den Kinobesuch in gewisser Weise gefährdeten, weisen weiterentwickelte Sicherheitsfilme andere Problemfelder wie Schimmelempfindlichkeit auf. Viel Aufmerksamkeit erfuhr in der Diskussion dementsprechend die Bedeutung der Erhaltung und Archivierung von Filmmaterialien. Da ein Film erst ab fünf Kopien als gesichert gilt und bei einer Langzeitarchivierung Filme alle 50 Jahre erneuert werden sollten, warf dies auch Fragen bezüglich der Speichermedien auf. Ein kleiner Kratzer auf einem sehr komprimierten Medium wie der DVD erweist sich problematischer als ein Kratzer auf einer sehr viel mehr Platz einnehmenden Sammlung von Filmrollen. In Abgrenzung zu der inhaltlichen Zerstörung bereits bestehenden Filmmaterials wurde nun der Fokus auf die Ästhetik des Zerstörten und Alten gelegt. Gegenübergestellt wurde die Tatsache, dass die konkrete Vorstellung der Textualität von alten Filmen zwar einerseits sehr anschaulich nachvollzogen und dementsprechend zelebriert werden kann, man andererseits aber auch alte Filme so restaurieren kann, dass sie besser erscheinen als sie im Originalzustand gezeigt wurden, was bestätigte, dass beim Film sowohl formale als auch inhaltliche Kriterien zusammen spielen. Der für das „Toronto International Film Festival“ von 2000 produzierte Film „The Heart of the World“ visualisierte diese Einschreibung von Beschädigungen in bereits Produziertes auf anschauliche Weise.
Die hier angespielte Weltuntergangsthematik diente außerdem als Überleitung zu dem zweiten Teil des Workshops, wo die beiden anfangs erwähnten Textauszüge besprochen werden sollten. Während bei David Marksons postapokalytischer Darstellung in „Wittgensteins Mätresse“ die verschiedenen Raum-Zeit-Dimensionen Natur-Kultur-Dichotomien und die Bedeutung der Dinge der Welt im Fokus der Diskussion standen, wurde bei Paul Austers „Im Land der letzten Dinge“ die existenzielle, auf den Menschen bezogene Darstellung einer durch ein System bestimmten Dystopie thematisiert. Diesen Beispielen wurden anschließend Filmausschnitte aus dem dystopischen Spielfilm „Brazil“ von 1985 gegenübergestellt. Die Darstellung einer düsteren, bürokratisierten und technisierten Welt in Kombination mit dem hoffnungslosen Ende des Films führte dazu, dass der damalige Chef von „Universal Studios“, Sid Sheinberg, den Film so nicht zeigen wollte und der Streit zwischen dem Regisseur Terry Gilliam und Sheinberg eskalierte, sodass „Brazil“ in zwei unterschiedlichen Schnittfassungen ins Kino kam.
Die propagandistischen Möglichkeiten des Films wurden anschließend anhand eines österreichischen Wahlwerbefilms von 1938 erörtert, bei dem, Dokumentation und Appell der Nationalsozialisten verbindend, das Ausmaß der politischen Überformung deutlich wurde. Eine ähnliche Vorgehensweise offenbarte ein österreichischer ‚Spezialfilm‘ über das zerstörte Görz von 1917, indem über Kameraführung, direkte Ansprache des Publikums durch die Darstellung eines zerstörten Kinos und die gezielte Kombination von Bild und Text eine Beeinflussung des Publikums erfolgen sollte. Die Verbindung von Bild und Text verdeutlichte auch Parallelen zum Comic, der parallel zu Entwicklungen des Films wie den ‚Serials‘ eine Transformation von einer ‚Sonntagsseite‘ über den ‚Achtseiter‘ zum Heft durchlief.
Den Abschluss bildete die Analyse des Science-Fiction-Kurzfilms „La Jetée“ von 1962. Mit Ausnahme eines kurzen, bewegten Bildes, nur aus Standbildern bestehend, warf er erneut die Frage nach den verschiedenen Zeitdimensionen auf und schloss mit der Diskussion um Pluriversien und den Widerstreit von virtueller und konkreter Existenz an die Kolloquiumssitzung zum Thema ‚Temporalität‘ an. Damit zeigte sich einmal mehr, dass eine „Materialität des Untergangs“ nicht nur mit Verfall, sondern auch mit Produktionsprozessen in Verbindung gebracht werden kann.

Hannah Schiefer


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